Einige Filme sind ausschließlich mit Idioten gefüllt. Das sind die Besten.

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Die meisten Filme bieten mindestens eine Figur, für die man sich begeistern kann, aber es gibt ein paar Auserwählte, die das nicht tun – und das ist umso besser

Es ist ein Trugschluss, dass fiktive Charaktere sympathisch sein müssen, aber selbst die düstersten oder abweisendsten Filme bieten normalerweise jemanden, für den man sich begeistern kann, sei es ein Kreuzzugsheld oder ein letztes Mädchen. Typischerweise muss es eine Person geben, auf die wir unsere Hoffnungen setzen können oder in der wir unser bestes Selbst widerspiegeln. Aber was ist mit den Filmen, die auf allen Ebenen komplett von Gruseln bevölkert sind? Wenn sie sich am Ende wie Ausdauerwettbewerbe anfühlen, ist das ein Fehler oder eine Funktion? Identifizieren wir uns am Ende automatisch mit jemandem – irgendjemandem? Oder, was noch interessanter ist: Verstärkt ein Ensemble, das hauptsächlich aus unangenehmen Monstern besteht, die schlechte Stimmung oder schwächt sie sie ab?

Willkommen zur Jerks Week

Es gibt nichts Schöneres als einen Charakter, den man so gerne hasst. Meine Damen und Herren, es ist Jerks Week im The Ringer. Stimmen Sie für Ihre Favoriten in der Kategorie „Best Pop Culture Ierks“ und schauen Sie die ganze Woche über eine Auswahl an Geschichten über einen der am meisten unterschätzten Archetypen vorbei.

Einige Erzählungen eignen sich für solche Situationen – zum Beispiel Krimis im Agatha-Christie-Stil mit ihrem inhärenten Bedürfnis nach glaubwürdigen böswilligen Verdächtigen und potenziellen frischen Leichen. Da es jedoch zu einfach wäre, die gesammelten Abenteuer von Hercule Poirot und Benoit Blanc nach Titeln zu durchsuchen, haben wir uns entschieden, (größtenteils) über das Und-dann-da-waren-nichts-Genre hinauszuschauen und uns auf Filme zu konzentrieren, die aus welchem ​​Grund auch immer, fast ausschließlich mit abfälligen, unappetitlichen oder auf andere Weise hasserfüllten Charakteren befallen: das filmische Äquivalent von Idiotenläden, die geöffnet sind.

In der letzten Szene von „The Social Network“ versichert eine von Rashida Jones gespielte Anwaltsgehilfin Mark Zuckerberg von Jesse Eisenberg, dass er nicht wirklich ein Arschloch ist. Sie hat das Recht auf ihre Meinung – ebenso wie Aaron Sorkin, der einen Oscar dafür gewann, dass er ihr so ​​verzeihende Worte in den Mund legte –, aber das Vergnügen an David Finchers Facebook-Ursprungsmythos liegt in seiner elegant unterteilten Studie über (männliche) Gemeinheit. Zum Beispiel wirkt Marks unauffälliger, introvertierter Auftritt neben den betitelten Winklevoss-Zwillingen fast sympathisch, die ihrerseits beinahe edel wirken, nachdem sie ihren Fall dem salbungsvollen Präsidenten von Harvard vorgetragen haben. Wenn Marks Kumpel Eduardo Saverin (Andrew Garfield) den Napster-Mogul Sean Parker (Justin Timberlake) spöttisch dafür lobt, dass er im Vergleich zu ihnen cool aussieht, ist das eine Herabwürdigung, die perfekt zur Atmosphäre der Hassbereitschaft der Beta-Männer passt. Am Ende legt der Film nahe, dass der Grund, warum diese Idioten die Welt veränderten, darin lag, dass ihre Ängste und Wünsche letztendlich ziemlich universell waren – sie haben den Algorithmus geschrieben, der dem Rest von uns dabei half, unser schlimmstes Selbst anzunehmen, einen Klick nach dem anderen.

„Wo wird Fancy gezüchtet? Im Herzen oder im Kopf?“

Von allen Rätseln, die Gene Wilders Süßigkeitenmagnat in Mel Stuarts Fantasy-Klassiker von 1971 stellt, kommt diese Frage möglicherweise am nächsten einem Dietschlüssel gleich, um die Bedeutung des Films zu entschlüsseln. Es deutet großzügig darauf hin, dass Vorstellungskraft eine Frage der Natur und nicht der Erziehung ist. Das Gleiche gilt für das Ruckeln: Die fast durchweg unerträglichen Kinder, die Wonkas Fabrik besichtigen, werden von Eltern begleitet, die ihren giftigsten Eigenschaften frönen und sie sogar feiern, was wiederum ihrer Folter durch verschiedene Oompa-Loompas die Schärfe nimmt. (Es ist kein Zufall, dass der Film von David Seltzer geschrieben wurde, der seine Fähigkeiten beim Zeichnen von denkwürdig schrecklichen Kleinkindern in die Omen-Reihe einfließen ließ.) Als die ungeheuer vornehme Veruca Salt – die von ihrem Gastgeber zuvor zu Recht als „schlechtes Ei“ bezeichnet wurde verschwand bei einem Müllshooting – Julie Dawn Cole (die zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 13 Jahre alt war) war so hinterlistig, dass sie eine der coolsten Riot-Grrrl-Bands der 90er Jahre dazu inspirierte, in ihrem Namen zu rocken. Unterschätzen Sie auch nicht die wunderschön modulierte Bedrohlichkeit von Wilders Auftritt, der über Johnny Depps sentimentaleren Ansatz hinaus Bestand hat und die Messlatte für Timothée Chalamet an diesem Weihnachtsfest gewaltig hoch legt.

Verwandt

Der Witz an Emma Watsons Cameo-Auftritt in Seth Rogens und Evan Goldbergs postapokalyptischer Komödie „This Is the End“ besteht darin, dass sie im Grunde die einzige anständige Berühmtheit ist, die nach dem Ende der Welt, wie wir sie kennen, noch steht; Die Pointe ist, dass die Schauspielerin im wirklichen Leben Berichten zufolge so entsetzt über den Inhalt des Drehbuchs war – insbesondere über die Andeutung, dass die von Danny McBride und Channing Tatum gespielten Charaktere (wie Watson, die Versionen ihrer selbst spielen) Kannibalen seien –, dass sie fast davongelaufen wäre Satz. Rogen sagte weiter, dass es keine bleibenden harten Gefühle gab, aber es ist trotzdem lustig, dass ein Film, der auf dem satirischen Konzept basierte, dass die beliebtesten Freaks und Geeks der Apatow-Ära korrupte, sozial unfähige Verlierer waren, am Ende eine quasi- dokumentarische Dimension. Abgesehen von unbeabsichtigten Allegorien ist „This Is the End“ voll von denkwürdigen hasserfüllten Zitaten und Cameo-Auftritten, darunter eines von Michael Cera, der Rihanna schlägt (und von ihr geschlagen wird) und Christopher Mintz-Plasse Koks ins Gesicht bläst, während er eine Windjacke trägt. Die Belohnung für den Diebstahl des Films besteht für den sanftmütigen Kanadier darin, dass er den wahrscheinlich schmerzlichsten Filmtod erleidet – eine Ehre, die er reichlich verdient.

Ehrlich gesagt hätte ich mich hier für jede beliebige Anzahl von Filmen der Coen-Brüder entscheiden können: Auch wenn wir keinen seiner Co-Stars berücksichtigen, ist John Goodmans Walter Sobtschak in „Der große Lebowski“ das Äquivalent des großen Einzelhandelsgeschäfts zum Idiotenladen sein eigenes, während Inside Llewyn Davis die spirituellen Tiefen des Narzissmus eines traurigen Jungen auslotet, um mit Perlen hart erkämpfter Empathie ans Licht zu kommen. Anton Chigurh ist nicht nur ein Söldnermörder, er erschießt sogar eine unschuldige Taube am Straßenrand. Und so weiter. Aber die kriminell unterschätzte Spionagekomödie „Burn After Reading“ aus dem Jahr 2008 ist wahrscheinlich das platonische Ideal einer gemeinen Satire, deren bissige Weltanschauung durch John Malkovichs freigegebenen CIA-Spion, der seine Rivalen als „Liga der Idioten“ bezeichnet, wunderbar auf den Punkt gebracht wird. Noch nie zuvor haben so viele A-Promis danach gestrebt, unsympathisch zu sein: Wir haben einen feigen George Clooney, eine tyrannische Tilda Swinton, eine selbstverachtende Frances McDormand und einen wunderbar idiotischen Brad Pitt, dessen Kontrolle über die Unschuld eines hübschen Jungen gefährdet ist, als er beschließt, eine „Barmherzige Samaritersteuer“ für die Rückgabe gestohlenen Eigentums zu erheben. Für den Fall, dass uns irgendetwas davon über den Kopf geht, sind JK Simmons und David Rasche als Ghule der Geheimdienstgemeinschaft zur Stelle, die als eine Art vernichtender griechischer Chor fungieren und den andauernden Clusterfuck mit geübter, bürokratischer Distanz erzählen.

In der erschütterndsten Sequenz von Ari Asters Tageslicht-Horror-Epos „Midsommar“ – einem Film, der Szenen des Todes durch Kohlenmonoxidvergiftung und stumpfe Gewalttraumata sowie posthume Vivisektion zeigt – tut ein ehrgeiziger Student der Anthropologie das Undenkbare: Er kapert das Thema der Abschlussarbeit seines Klassenkameraden ihm ins Gesicht und versucht, es als einen Akt radikaler Ehrlichkeit darzustellen. „Ich wollte es dir zuerst sagen, nur damit es nicht so aussieht, als hätte ich es dir nicht gesagt“, sagt Christian (Jack Reynor) zu Josh (William Jackson Harper), der nach Schweden gekommen ist, um eine Reihe bizarrer Heiden zu beobachten Rituale. Für jeden, der schon einmal an einem akademischen Symposium teilgenommen hat (und danach etwas trinken gegangen ist), ist dieses Verhalten abschreckend; Als Rebecca Onion von Slate schrieb, dass die wahren Bösewichte von Midsommar die Doktoranden seien, war sie nicht scherzhaft. Wie „Hereditary“ und „Beau hat Angst“ verdient der Film Anerkennung dafür, dass er durch seine grotesken, ekligen Passagen eine bissige, satirische Ader aufweist. Aster lässt sich keine Gelegenheit entgehen, seine Euro-Stripper-Charaktere als eine besondere Rasse hässlicher Amerikaner zu zeigen: pseudointellektuelle Angeber, die Zimperlichkeit mit Überlegenheit verwechseln und am Ende als Rohmaterial für ihre eigene hypothetische ethnografische Studie fungieren. Dass uns ihr sorgfältig und fatal inszeniertes Schicksal nicht allzu leid tut, deutet entweder darauf hin, dass sie es erwartet haben, oder dass Asters komischer Sadismus ansteckend sein kann.

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In „Pink Flamingos“ von John Waters, einem der freudig transgressivsten amerikanischen Filme aller Zeiten, wetteifern eine Gruppe selbsternannter Soziopathen um den inoffiziellen, aber höchst begehrten Titel „der dreckigsten Menschen der Welt“. Als letztendlicher unangefochtener Champion ist Babs Johnson, der übergroße Außenseiter von Divine, so urkomisch böse, dass er sich seinen eigenen Platz in der Filmgeschichte erobert. Pink Flamingos war als eine Art Inventar von Obszönitäten strukturiert – wobei jede einzelne Szene die Messlatte für schlechten Geschmack höher (oder niedriger) legte –, umging „Pink Flamingos“ die MPAA-Einstufungskommission, und sein Neugierfaktor war ausschlaggebend dafür, dass aus seinem jungen unabhängigen Verleiher New Line Cinema ein solcher Film wurde der kantigste Geschmacksmacher der Ära. In gewisser Weise ist „Idiot“ entweder ein zu schwaches oder ein zu hartes Wort für Waters‘ Charaktere, deren Hang-ups und Fetische – einschließlich eines Höhepunkts des (authentischen) Scheißfressens, der die Grenze zwischen Comic-Unverschämtheit und Dokumentarfilm verwischt – das Sagen haben Skala der sieben Todsünden (und darüber hinaus). Indem Waters und seine Baltimore-Aktiengesellschaft so viele Tabus direkt angingen – und sich weigerten, vollständig zwischen Toxizität und offenherziger Eigenart zu unterscheiden –, wurden sie zu einem unwahrscheinlichen, aber wirkungsvollen Symbol des DIY-Sieges.

Es ist nicht gerade überraschend, dass James Cameron in der Art des Idioten so gut ausgebildet ist: Man muss das alles wissen. Meistens steht in seinen Filmen so apokalyptisch viel auf dem Spiel, dass für Nettigkeiten keine Zeit bleibt, und doch gibt es immer noch Charaktere, deren Gemeinheiten über die Pflicht hinausgehen. Zusätzlich zu seinen anderen Vorzügen als mütterliches Psychodrama und Vietnam-Allegorie ist „Aliens“ ein wahres Meisterwerk der Inszenierung von Abscheulichkeit, mit zwei sehr unterschiedlichen, gleichermaßen erstklassigen Ärgernissen: Bill Paxtons großmäuligem Grunzer Hudson – der vorgestellt wird, indem er Jenette Goldsteins Vasquez fragt, ob sie jemals dort gewesen sei für einen Mann gehalten wird und genau die Antwort bekommt, die er verdient – ​​und Paul Reisers einschmeichelnder Handlanger Burke, der Ellen Ripley von Sigourney Weaver dazu manipuliert, sich einer angeblichen militärischen Rettungsmission anzuschließen, in der Hoffnung, sie mit außerirdischen Nachkommen zu schwängern. Paxton sollte ein paar Jahre später in „True Lies“ den Archetyp des feigen Verlierers für Cameron wieder aufleben lassen, während Reiser eine so wunderbar unaufrichtige Erscheinung hat, dass es erstaunlich ist, dass er am Ende ein sympathischer Sitcom-Star wurde. Wenn Burke hineinbeißt, ist das der publikumsstärkste Moment im gesamten Film.

Wenn Peter Wellers „Old Detroit Avenger“ einen Täter angreift, indem er „Du bist dran, Schleicher“ dröhnt, könnte er mit so ziemlich jedem anderen im Film reden. Geschrieben als eine böse Comic-Parodie auf die Politik und Rhetorik der Reagan-Ära – sowie auf die verchromten Tropen von Hollywoods Post-Star-Wars-Produktion – zeigt „RoboCop“ etwas, das man als Trickle-Down-Ruckler bezeichnen könnte; Der moralische Verfall beginnt ganz oben und endet bodenlos. Das erhabenste Monster des Films ist der alte Mann (Dan O'Herlihy), der weißhaarige, angestellte CEO von OCP (Omni Consumer Products); Seine Gleichgültigkeit gegenüber allem außer Profiten erzeugt ein moralisches Vakuum, in dem ein gefühlloser Streber wie Bob Morton (Miguel Ferrer) erfolgreich ein Pilotprojekt mit recycelten toten Polizisten auf den Weg bringen oder eine Sitzungspräsentation halten kann, bei der ein junger Manager durch eine defekte Hardware getötet wird ( nicht, dass es irgendjemanden interessiert). In Paul Verhoevens Film geht es nicht gerade subtil darum, die Unternehmenskultur aufzuspießen: Der Oberleutnant des alten Mannes (Ronny Cox) heißt wörtlich „Dick“, ein Spitzname, der bei jeder Gelegenheit mit zielstrebiger Begeisterung angebellt wird. Und wir haben noch nicht einmal Kurtwood Smiths großartig bösartigen Drogenschmuggler Clarence Boddicker erwähnt, den endlos zitierfähigen Einzeiler („Bitches, Leave“). Angeblich ließ Verhoeven Smith eine Brille tragen, weil er dadurch wie der berüchtigte Nazi Heinrich Himmler aussah.

Quentin Tarantinos achter (eineinhalb) Spielfilm erschien gegen Ende 2015 – ein paar Monate nachdem Donald Trump offiziell seinen MAGA-Hut in den Präsidentenring geworfen hatte – und schien gleichzeitig zu kanalisieren und vor einem sich zusammenbrauenden Sturm zu warnen. Obwohl QT selten als politisch bewusster Filmemacher angepriesen wird, hatte er schon immer ein instinktives Gespür für den Zeitgeist, und „The Hateful Eight“ ist sowohl beeindruckend als auch abstoßend als Porträt eines Landes, das durch eine Reihe rassischer, kultureller und ideologischer Bruchlinien gespalten ist. Die Gegenüberstellung von Ikonographie nach dem Bürgerkrieg und wechselseitiger, anachronistischer Distanziertheit lässt darauf schließen, dass Amerikas unruhige Vergangenheit seine vermeintlich fortschrittliche Zukunft überholt. Hier ist die von Abraham Lincoln versprochene große Emanzipation eine Fälschung; „Schwarze Menschen sind nur dann in Sicherheit, wenn die Weißen entwaffnet sind“, seufzt Samuel L. Jacksons zynischer Bürgerwehrmann. In den Händen eines anderen Filmemachers hätte solch eine düstere Soziologie sentimental oder melancholisch sein können, aber Tarantino hält die Dinge lebendig, indem er seine Charaktere schrecklich hält, was es erfahrenen Szenenfressern wie Tim Roth und Bruce Dern ermöglicht, sich zu abscheulichen Karikaturen zu stilisieren. MVP ist jedoch Jennifer Jason Leigh, die die Spinnrocken-Gangsterin Daisy Domergue mit so scharfsinniger Genialität spielt, dass der Rest des Ensembles kaum mithalten kann. Im Laufe des Films wird Leighs Figur von einer Gruppe böser Ombres verspottet, beleidigt und verprügelt, deren Abscheu mit Angst verbunden ist – oder vielleicht auch umgekehrt. Daisy ist rücksichtslos und furchterregend, aber sie ist auch einfach unglaublich nervig. Und unvergesslich.

„Der Polizist konnte seinen Schwanz mit zwei Händen und einer Karte nicht finden“, spottet Ed Harris‘ Immobilienverkäufer Dave Moss, nachdem er von der Polizei in Glengarry Glen Ross verhört wurde. Man könnte jedes Bild von James Foleys Bad-Vibes-Meisterwerk mit der Lupe betrachten, ohne einen Funken Empathie zu entdecken. Die Frage ist nicht, ob die hart arbeitenden, ständig fleißigen Mitarbeiter von Premier Properties – wie ihr Vorgesetzter es sarkastisch ausdrückt – in einer „harten Schlägerei“ stecken, sondern ob es ihnen gelungen ist, trotz aller Strapazen ihre Menschlichkeit zu bewahren. Spoiler-Alarm: Das haben sie nicht, und das Spektrum der Menschenfeindlichkeit, das sie repräsentieren, ist im zeitgenössischen amerikanischen Kino beispiellos. Wählen Sie Ihren Kämpfer: den knurrenden, heuchlerischen Moss, der seinen dämlichen Kollegen (Alan Arkin) so manipuliert, dass er noch vor der Tat zum Mittäter des Diebstahls wird; Al Pacinos mephistophelischer Richard Roma, der bereit ist, für eine Provision von 6.000 US-Dollar das Leben (und die Ehe) eines Kunden gründlich zu ruinieren; der salbungsvolle Büroleiter John Williamson (Kevin Spacey), der vor Verachtung für sein Team und sich selbst vibriert; Alec Baldwins wilder Firmenmörder, der behauptet, sein Name sei „Fuck You“; oder Shelley „The Machine“ Levene, der elende, schrumpelige Oldtimer, gespielt von Jack Lemmon mit selbstverachtender Brillanz. Anstatt Shelley als tragischen Helden – oder Opfer – zu verwenden, macht David Mamet den schwächsten und verletzlichsten Charakter der Geschichte genauso zu einem Idioten wie seine (geringfügig) erfolgreicheren Kollegen, was in einem bösartigen, spleenigen Monolog gipfelt, der an einen gebrochenen Mann erinnert den Größenwahn des Menschen (und die darunter liegende Gemeinheit) mit unheimlichem Naturalismus.

Adam Nayman ist ein in Toronto ansässiger Filmkritiker, Lehrer und Autor. Sein Buch „The Coen Brothers: This Book Really Ties the Films Together“ ist ab sofort bei Abrams erhältlich.

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